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Black Carpet Awards: evento collaterale o vera inclusione?

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Celebrare la diversità negli eventi paralleli promuove davvero l’inclusione?


La terza edizione dei Black Carpet Awards ha recentemente illuminato il Teatro Manzoni durante la Milano Fashion Week. L’evento è promosso dall’Afro Fashion Association e celebra i “Leader del Cambiamento” – persone di tutte le origini e background che si sono distinte per aver promosso diversità, inclusione ed equità all’interno dell’industria creativa.

Sebbene iniziative del genere siano indubbiamente significative, accendono anche una riflessione cruciale: la diversità dovrebbe essere celebrata in eventi separati e collaterali, oppure tutte le origini, le voci e le esperienze dovrebbero essere integrate in modo fluido nel palco principale?

Black Carpet Awards: il duplice ruolo dell’evento collaterale


Creare un evento collaterale come i Black Carpet Awards presenta sia punti di forza che limiti:

Punti di forza:
  • Pone i riflettori specificamente su Diversità, Inclusione ed Equità (DIE). Quindi garantisce che questi valori e le persone che li incarnano non vengano trascurati.
  • Crea una visibilità fondamentale e favorisce un potente senso di comunità, rendendo la rappresentazione il tema centrale e non una semplice nota a margine.
Limiti:
  • Esistendo “al di fuori” del calendario ufficiale, può rafforzare involontariamente l’idea che la diversità sia un tema di nicchia, non parte integrante del tessuto dell’industria.
  • Rischia di creare una separazione: il palco ufficiale per il mainstream, il palco collaterale per la diversità.

Tuttavia, in uno dei nostri post precedenti, abbiamo esplorato se la moda sia una questione di rappresentanza o di denaro. La disabilità, ovviamente, aggiunge un’ulteriore dimensione a questa domanda.

Considerazioni finali: verso una diversità pienamente integrata


Quindi, dove ci porta questa riflessione? Eventi collaterali come i Black Carpet Awards sono vitali perché forniscono visibilità, modelli di riferimento e comunità che altrimenti rischierebbero di rimanere invisibili. Eppure, mantenere queste celebrazioni separate rischia di rafforzare l’idea che la diversità sia un’eccezione piuttosto che la norma.

La vera inclusione significa tessere voci diverse nel cuore stesso dell’industria. Camera Moda dovrebbe integrare appieno la diversità negli eventi principali e ufficiali, rendendola un valore fondamentale e non un’aggiunta.

Il progresso non sarà raggiunto con palchi paralleli, ma quando il palco principale stesso rifletterà la ricchezza di tutte le identità. La diversità non dovrebbe più avere bisogno di un proprio palco; dovrebbe essere il palco.

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Le fashion week sono specchi: note sulla Milano Fashion Week PE26

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Creatività e nuove direzioni in tempi di incertezza


Le fashion week sono specchi. Non mostrano solo abiti, ma riflettono le tensioni, le aspirazioni e le ansie del nostro tempo. Per la stagione Primavera/Estate 26 a Milano, sono emersi temi di fuga, utilità e trasformazione, riflettendo i tentativi dell’industria di ridefinire la propria identità.

Così, dopo la nostra analisi di queste tensioni generali alla Milano Fashion Week SS26, condividiamo ora alcune note sulle collezioni che hanno definito la stagione.

Le collezioni: uno spettro di risposte

Diesel:  Glenn Martens ha superato la tradizionale passerella, organizzando una caccia al tesoro in città con look nascosti in gigantesche uova di plastica. Questa presentazione estrosa e decentralizzata ha sfidato il formato convenzionale della fashion week.

Jil Sander: l’esordio di Simone Bellotti si è concentrato sul minimalismo anni ’90. Una scelta notevolmente pulita che ha mostrato il corpo attraverso tagli ispirati a Lucio Fontana. Infatti, la maison l’ha descritta come “un equilibrio tra classicismo e modernità”.

Marras: la sfilata è stata un viaggio poetico che ha intrecciato letteratura, arte e moda. Ispirata da un soggiorno sardo immaginato per il Bloomsbury Group, le modelle hanno sfilato tra saline con libri infilati dentro. La collezione, dai colori soft e sussurrati, presentava linee fluide e morbide, oppure androgine e strutturate. Plasmando così un universo che fondeva culture.

Fendi:  la collezione ha enfatizzato la leggerezza, il colore e un’essenzialità che abbracciava sia il femminile che il maschile. Si è distinta come un dialogo concettuale e materiale. In particolare nei pezzi tessuti con più colori, che mostravano una maestria artigianale e una tecnica eccezionali.

Prada: ha offerto una proposta di abbigliamento per tempi incerti, con un accento sui colori. Il vintage può essere moderno? La risposta è stata una lezione di stile sulla sovrapposizione di volumi e colori per uniformi contemporanee. La collezione vuole essere una “risposta all’incertezza: vestiti che possono trasformarsi, cambiare e adattarsi”, concedendo a chi li indossa “autonomia” e progettati con “significato e utilità” per sopravvivere nel mondo moderno.

Moschino: il direttore creativo Adrian Appiolaza si è chiesto: “E se il valore non venisse dal costo, ma dall’andare veramente in profondità nelle idee creative?”. Ispirata dall’Arte Povera e dall’ironia nativa del brand, la collezione ha trovato preziosità in materiali umili come la iuta, sostenendo il riutilizzo, il riciclo e l’upcycling.

Dolce & Gabbana: mentre il cast de Il Diavolo veste Prada entrava in passerella, il confine tra realtà e cinema è svanito. Degne di nota le risatine di Anna Wintour che scambia sguardi con Miranda Priestley – Meryl Streep. Ma ci siamo chiesti perché un’intera collezione concentrata sul tema del pigiama, che è concetto già molto visto.

Bottega Veneta: sotto la nuova direzione creativa di Louise Trotter, il brand ha visto un forte esordio. Infatti, la Trotter ha lavorato in modo magistrale con i volumi e le texture tridimensionali intrinseche al brand, sviluppando un minimalismo ricco e sofisticato.

Versace: il brand ora è parte del Gruppo Prada. Così, Dario Vitale (ex Miu Miu) ha debuttato con una vena che ricorda Miu Miu. Colori e un mix di stampe, una sartoria audace e ammiccante per un Versace moderno ispirato agli anni ’80.

Considerazioni finali: le settimane della moda sono specchi


In conclusione, prendiamo appunti sulla Milano Fashion Week Primavera/Estate 26 in parte per noi stesse – per tracciare le correnti che modellano l’industria e capire cosa potremmo aspettarci in seguito. E sì, abbiamo intenzionalmente saltato il Gucci di Demna, perché semplicemente non ne cogliamo il senso (proprio di Demna).

L’eredità italiana di artigianato, design e qualità rimane una fonte di immenso orgoglio. Eppure, la moda non può essere considerata isolatamente. Infatti, la questione centrale non è un singolo brand o una singola sfilata; è sistemica. È il capitalismo – uno schema che si ripete in tutte le industrie a livello mondiale. Ma perché tutti lo ignorano?

Le fashion week sono specchi. La stagione Primavera/Estate 26 dimostra che la creatività non è morta: è irrequieta, in costante ricerca, a volte giocosa, a volte profonda. Eppure, dietro lo spettacolo, la moda continua a lottare con questioni di valore, responsabilità e scopo.

Finché quelle contraddizioni più profonde non saranno affrontate, ogni stagione rimarrà sia un atto di immaginazione affascinante che un duro promemoria del sistema che le contiene.

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Estetica e ansie alla Milano Fashion Week SS26

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La settimana della moda si dipana tra visioni creative, costo crescente del lusso e una crisi di rilevanza


Dedicata a uno dei suoi padri fondatori, Giorgio Armani, la Milano Fashion Week SS26 è iniziata in un clima di forti contrasti: da un lato l’estetica e le visioni creative, dall’altro le ansie crescenti del settore. Questa tensione si è formalizzata il 24 settembre. Camera Moda ha riunito i top executive della moda italiana a Casa Cipriani per difendere il futuro del Made in Italy. Figure come Luigi Maramotti (Max Mara), Renzo Rosso (OTB), Remo Ruffini (Moncler), Alfonso Dolce (Dolce & Gabbana), Gildo Zegna e Lorenzo Bertelli (Prada) si sono unite a Carlo Capasa, presidente dell’istituzione. Scopo dell’incontro: sostenere la salvaguardia della filiera nazionale attraverso creatività, sostenibilità e una regolamentazione più severa.

In effetti, i debutti di Gucci, Jil Sander, Bottega Veneta e Versace hanno generato entusiasmo. Ma questa edizione racchiude l’eredità della moda italiana insieme alle sue sfide più pressanti.

L’atmosfera è vibrante, con i buyer in cerca di una direzione e gli stilisti che si sforzano di fornirla. Eppure, sotto la superficie, l’inquietudine è palpabile. Profonda instabilità economica, nessun piano B chiaro per i dazi di Trump, convivono con l’ombra persistente dello sfruttamento del lavoro. Le indagini ancora incombono su diverse case del lusso.

“Abbiamo un know-how immenso che risale a molto tempo fa e vogliamo difendere ciò che i nostri predecessori hanno costruito”, ha sottolineato Gildo Zegna. Indicando anche la necessità di controllare la produzione in mercati volatili. Renzo Rosso, nel frattempo, ha ribadito i pilastri di OTB: “creatività, sostenibilità e tecnologia”. Avvertendo inoltre che senza creatività, “un prodotto non è altro che un oggetto”.

Ma c’è anche tensione nella narrazione. Rosso invoca ottimismo, arrivando persino ad avvertire che “la negatività influisce sul traffico nei negozi”. Mentre Lorenzo Bertelli ha identificato nella disuguaglianza la minaccia più grande per il settore. Secondo Luigi Maramotti, “il consumatore è confuso” in un mondo dove gli sforzi di sostenibilità dell’Europa sono minati da standard divergenti altrove.

Le contraddizioni sono profonde. Carlo Capasa ha difeso il settore dalle accuse di illegalità diffusa. In particolare, ha citato i dati Istat che suggeriscono che circa il 2-3% della produzione coinvolge lavoro irregolare. Tuttavia, ha riconosciuto che è necessaria una nuova legislazione per regolamentare e proteggere la filiera. Questa è “la base per salvare il settore”.

Eppure, un’ammissione particolarmente forte rimane. Tempo fa, Miuccia Prada disse:

“La moda è per quando non si hanno problemi. Nel momento in cui qualcuno ha un problema di salute o c’è una guerra in corso, la moda non è sicuramente rilevante”.

Quella prospettiva si scontra con l’insistenza del settore sull’ottimismo come strategia di sopravvivenza. In un mondo segnato dalla guerra in Ucraina e dal genocidio a Gaza, l’invito della moda a “rimanere positivi” rischia di suonare disconnesso. In questo contesto, che sia NY, Londra, Milano o Parigi, siamo tutti sulla stessa barca.

Le sfilate continuano, tra estetica e ansie. Ma la domanda fondamentale rimane: qual è la responsabilità della moda davanti a una crisi di rilevanza, disuguaglianza e valore riconosciuta dai suoi stessi leader?

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SS26 London Fashion Week: il crollo del confine tra high e low fashion

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Londra è ancora un bastione di ribellione creativa o un palcoscenico per il fast fashion?


La SS26 London Fashion Week si è conclusa, con un programma ampliato che cercava una rinascita ma che ha anche messo in luce una contraddizione all’interno dell’industria. Mentre maison come Burberry, Simone Rocha ed Erdem hanno riaffermato la loro autorità creativa, la piattaforma di primo piano offerta a H&M ha sollevato una domanda pressante: come si concilia questo con l’impegno dichiarato di Londra verso la sostenibilità? La linea che separa lusso e fast fashion non si è solo sfumata— è crollata.

SS26 London Fashion Week: i momenti creativi


Da Burberry, Daniel Lee ha rielaborato il patrimonio culturale britannico in chiave rockstar. La collezione era un omaggio alla swinging London: orli corti, completi slim e stivali in pelle ispirati al Mod, il tutto accompagnato da una colonna sonora dei Black Sabbath. Un tributo a Ozzy Osbourne che ha deliziato noi fan. (Guarda lo show qui).
Lee ha commentato: “I musicisti hanno sempre avuto uno stile incredibile, e insieme alla moda formano una cultura molto forte.” Questo era certamente vero un tempo. Oggi le rock star non hanno uno stile personale ma stylist. E vengono pagati per indossare abiti dei vari marchi — ma questo è argomento per un altro post.

Simone Rocha ha offerto una boccata d’aria fresca con una collezione femminile, infantile e fiabesca, dove leggerezza e atmosfera eterea prevalevano. I suoi design ci hanno ricordato perché Londra è da tempo un laboratorio di sperimentazione creativa. (Guarda i look qui). Nel frattempo, Erdem ha esplorato le “identità sovrapposte”, sfumando i confini tra storia e immaginazione in una magistrale dimostrazione di narrazione creativa. (Guarda lo show di Erdem qui).

Eppure, questa riaffermazione creativa è stata messa a confronto con l’inclusione strategica di H&M nell’evento. Il colosso svedese della fast fashion ha organizzato una presentazione immersiva, sfruttando l’energia giovanile della città. La sua presenza non era un’anomalia, ma una mossa calcolata che parla chiaro sulle attuali priorità dell’evento.

La logica della piattaforma H&M


Laura Weir, nuova CEO del British Fashion Council e ex editor di Vogue, ha descritto il compito di ripristinare lo status di Londra nella moda come “un’impresa erculea”. Dopo Brexit, Covid, instabilità economica e guerre, il suo impegno è comprensibile. Ma se l’obiettivo è rafforzare la posizione globale di Londra, dare a H&M un ruolo così di primo piano è davvero una scelta significativa a lungo termine?

Per H&M, un posto nel calendario della LFW è il massimo colpo di PR. Acquista prestigio e “cool factor” per riposizionarsi da venditore di capi basic economici a trend-maker legittimo, aiutando a giustificare collaborazioni premium e partnership con designer.

Dal punto di vista degli organizzatori, la logica è altrettanto chiara: la LFW è, dopotutto, un business. Burberry genera stampa, ma il British Fashion Council ha bisogno di entrate. L’ingente investimento di H&M aiuta a sovvenzionare designer più piccoli ed emergenti, linfa vitale della reputazione londinese per l’innovazione. Inoltre, una presentazione H&M può attirare celebrità e mega-influencer che altrimenti non parteciperebbero a uno show più piccolo e d’avanguardia. (Tristezza della moda contemporanea, a dirla tutta.) Questo genera enorme visibilità sui social e copertura mediatica che amplifica la risonanza dell’evento.

Quando il confine sfumato diventa visione confusa


I confini tra moda di lusso e fast fashion non sono più semplicemente sfumati — si stanno cancellando a vicenda.

Il lusso ha adottato il ritmo del fast fashion: pre-collezioni, collezioni cruise e innumerevoli “drop”. Devono alimentare costantemente la macchina dei contenuti e delle vendite. Inoltre, corteggiano influencer e celebrità in modo che ricorda il marketing di massa.

La fast fashion, a sua volta, cerca il capitale culturale del lusso: H&M assume ex designer del lusso, produce linee “premium” e realizza campagne ad alto valore produttivo per emulare il lusso.

La London Fashion Week ha sempre celebrato l’eclettismo e la sperimentazione. Londra è storicamente la culla dello street style cooptato dall’alta moda (punk, mod, ecc.). È lì che Vivienne Westwood vendeva abiti in un negozio chiamato SEX. Ma c’è un abisso tra elevare la ribellione dal basso e dare visibilità a un colosso del fast fashion.

La domanda critica è: qual è il costo di questa curatela “inclusiva”? Includendo H&M, la LFW nutre la creatività o legittima un modello di business basato sul consumo eccessivo? Questa mossa mette direttamente in discussione l’aura di esclusività e creatività. E, soprattutto, i valori ecologici che Londra dichiara di sostenere.

Considerazioni finali


L’energia rock di Burberry e la presentazione di H&M sono due facce della stessa medaglia nell’industria della moda odierna. La SS26 London Fashion Week non si limita a osservare il crollo del divario tra high e low fashion; lo sta attivamente curando e capitalizzando.

Il pericolo è che il potere mediatico dei player del fast fashion possa soffocare le voci emergenti, trasformando ciò che dovrebbe essere una celebrazione della creatività in una convenzione di marketing. Il vero DNA “street” londinese è anti-establishment e autentico. Allinearsi con il fast fashion corporativo è l’opposto — è l’abbraccio definitivo dell’establishment.

Dando a H&M una piattaforma, la London Fashion Week potrebbe non solo vendere biglietti — potrebbe vendere la sua anima.

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La moda non è più un lavoro per stilisti

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La nomina di Jaden Smith da Louboutin segnala una nuova priorità: il potere delle celebrità batte la preparazione tecnica


Appare sempre più chiaro che la moda non è più un lavoro per stilisti. Le nuove modalità di assunzione dell’industria ne sono la prova più lampante. La nomina di Jaden Smith — attore, rapper e nepo baby — a capo della divisione uomo di Louboutin non è un’anomalia; è un modello ricorrente. Segue lo stesso copione che ha portato Pharrell Williams da Louis Vuitton. Queste mosse non hanno nulla a che vedere con la competenza nel design; sono una risposta calcolata a una crisi più profonda. Ma abbiamo davvero bisogno di stilisti-celebrità?

Inseguendo l’hype al posto dell’eredità, l’industria affronta una crisi esistenziale


L’industria della moda di lusso è cambiata radicalmente. Un tempo dominio di stilisti visionari e maison a conduzione familiare, è stata rimodellata dalle forze del capitalismo moderno: marketing, algoritmi, l’infulenza del ritmo incessante del fast fashion e l’insaziabile domanda di crescita. In questo nuovo paradigma, il ruolo dello stilista si è ridotto, il suo mestiere relegato a un piano secondario rispetto a un nuovo obiettivo: il profitto. Il risultato è un’implosione: perdita di anima, significato e del DNA distintivo che un tempo differenziava un marchio dall’altro. Così il marketing ha ucciso la moda, eppure vanno avanti imperterriti.

Il capitalismo moderno ha eroso la percezione stessa del lusso. Quando i brand sono cresciuti fino a trasformarsi in monumentali “cattedrali”, con vasti network retail ed ego giganteschi da abbinare, hanno sacrificato il loro valore intrinseco per un’esclusività vuota. E una falsa scarsità. Questa crisi d’identità, unita all’instabilità economica globale, ha portato a un diffuso calo del lusso. Di conseguenza, i vestiti non si vendono più da soli.

Allora, qual è la soluzione per un profitto facile? Il potere delle star. Le celebrità sono la risposta pompata all’eccesso a un problema creato dall’industria stessa. Generano buzz immediato, attirano legioni di fan e creano momenti virali — una boccata d’ossigeno a breve termine per brand che faticano a ricordare la propria identità. O che semplicemente cercano di coprire i costi.

Stilisti: il paradosso della formazione nella moda


Tuttavia, questo cambiamento rende l’esistenza di prestigiose e carissime scuole di moda un paradosso profondo. Per esempio, una laurea in Fashion Design all’Istituto Marangoni di Milano costa circa da €21.550 a €25.900 l’anno per l’anno accademico 2026/2027, inclusa una quota annuale d’iscrizione di €4.000 e una tassa internazionale di €25.900 per studenti non UE. Per gli studenti europei, la retta annuale è intorno a €21.550.

Questo cambiamento crea un paradosso devastante: perché uno studente dovrebbe investire tali cifre per padroneggiare un mestiere che l’industria non valorizza più? Perché specializzarsi in un campo dove i posti migliori non vanno ai più competenti, ma ai più famosi?

L’artigianalità dietro l’hype: perché il design delle scarpe non è per dilettanti


Senza contare che, da un punto di vista tecnico, il design delle scarpe è molto più complicato di quello dell’abbigliamento. Le scarpe devono combinare estetica, ergonomia e durata. Richiedono conoscenza di forme, pelli, suole, cuciture e metodi di costruzione — cucitura incollata, Blake, Goodyear e altri ancora. Comfort, distribuzione del peso e movimento sono aspetti fondamentali, per cui il design si intreccia con ingegneria e biomeccanica. Inoltre, la produzione è più lenta e costosa da modificare.

Il design dell’abbigliamento è più ampio e guidato dalle tendenze, con complessità legate alla varietà e alla vestibilità. Il design delle scarpe, al contrario, è più circoscritto ma tecnicamente più intricato. Ogni millimetro conta per comfort e indossabilità. Le scarpe richiedono precisione, non popolarità. Ma la conoscenza non è un problema, a meno che tu non sia nessuno.

Considerazioni finali


In conclusione, la scelta è strategica. I brand privilegiano espansione e crescita rapida rispetto a eredità e artigianato. Non hanno bisogno di uno stilista; hanno bisogno di un titolo sui giornali. Questo spiega perché Louboutin ha scelto Jaden Smith. Per la sua vasta influenza, non certo per la sua conoscenza di forme e pellami.

È ormai chiaro che la moda non è più un lavoro per stilisti. La domanda urgente non è se questo sia vero, ma cosa significhi per il futuro della creatività stessa questa corsa senza anima all’inseguimento delle celebrità.

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