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Le piccole imprese pagano il prezzo del nuovo regime UE sui pacchi

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Le regole erano pensate per frenare fast fashion e importazioni di basso valore. Le nostre spedizioni di abiti bloccate dimostrano chi sta davvero pagando.


Come molte piccole imprese, siamo entusiasti quando i brand ci danno notizie sulle spedizioni dei nostri ordini. Infatti eravamo al settimo cielo quando abbiamo saputo che i nostri capi dal Giappone erano arrivati in Italia. Abbiamo completato immediatamente le pratiche doganali perché non vedevamo l’ora di riceverli.

Poi abbiamo aspettato. Aspettato. Aspettato. E aspettato ancora.

E poi abbiamo chiamato il servizio clienti più volte — quasi ogni giorno — solo per ritrovarci a parlare con un assistente digitale che non fornisce alcun assistenza. Quando siamo stati fortunate, siamo riuscite a parlare con un essere umano — evviva, una voce umana! — ma non abbiamo ottenuto alcuna spiegazione significativa: le procedure richiedono tempo.

Nel frattempo, i capi che avevamo selezionato con cura per i nostri clienti restano inaccessibili. Non possiamo fotografarli e caricarli sul nostro sito web; non possiamo presentarli. E per chi di voi ci chiede di provarli: no, non possiamo venderli. Ogni giorno di ritardo si traduce in una perdita di ricavi che quei capi avrebbero dovuto generare.

Le piccole imprese capiranno bene.
Clessidra in penombra: metafora delle piccole imprese in attesa dei ritardi doganali UE.

Ci siamo chiesti cosa potesse essere andato storto questa volta. Le procedure doganali erano lente, lo sono sempre state, ma non abbiamo mai riscontrato ritardi di tale portata, né ci eravamo mai scontrate con un simile muro ogni volta che abbiamo tentato di ottenere informazioni. Dopo alcune ricerche, abbiamo collegato i puntini.

L’introduzione delle nuove regole ha cambiato significativamente le circostanze.

I nuovi dazi e le nuove commissioni sui pacchi provenienti da fuori dell’UE — come il dazio UE di 3 € per voce tariffaria in vigore dal 1° luglio 2026 e la prossima commissione di gestione UE di 2 € dal 1° novembre 2026, più il prelievo nazionale italiano rinviato al 1° dicembre 2026 — stanno effettivamente causando ritardi, congestione doganale e problemi operativi che colpiscono anche le merci commerciali e la catena di fornitura B2B.

Perché anche le spedizioni delle piccole imprese restano intrappolate nel ritardo accumulato

Tre cose rendono la situazione particolarmente preoccupante.

Primo, l’UE sta cambiando il modo in cui gestisce le importazioni di basso valore. L’eliminazione dell’esenzione doganale di 150 €, l’introduzione del dazio di 3 € sulle spedizioni idonee e i nuovi requisiti sui dati aumentano tutti la complessità. In un momento in cui le autorità doganali stanno già gestendo volumi enormi di pacchi. Richiedere controlli su ogni singola voce tariffaria, anziché sul pacco nel suo complesso, moltiplica il numero di dichiarazioni da processare.

Secondo, queste misure si inseriscono in una transizione più ampia. I nuovi dazi e la commissione di gestione hanno ambiti specifici e non si applicano indiscriminatamente a tutte le importazioni commerciali, ma le modifiche ai requisiti di elaborazione e ai sistemi informativi sollevano questioni di portata più vasta sull’efficienza con cui le merci si muovono lungo la catena di fornitura, e piccoli stock, componenti e campioni finiscono trascinati negli stessi flussi di verifica.

Terzo, le imprese possono ritrovarsi a sopportare le conseguenze commerciali di ritardi che non possono controllare. Le scorte restano indisponibili, il denaro è bloccato, le vendite pianificate sono perse. E poiché le commissioni maturano quando la dichiarazione viene accettata — non rimborsabili anche se le merci vengono poi trattenute — i vettori hanno scarso incentivo ad accelerare le cose, e qualche incentivo a rallentare le consegne per controlli extra. Quando la comunicazione dei vettori non offre alcuna spiegazione reale né tempistiche, a una piccola impresa resta poco da fare se non aspettare.

Sovrapponete a questo misure nazionali e UE che si accavallano, e il rischio di confusione e attrito operativo diventa ancora più difficile da ignorare.

Purtroppo, era stato previsto.

In una lettera datata 22 maggio 2026, DHL, FedEx e UPS hanno avvertito i ministri delle finanze dell’UE di un “rischio reale” che le spedizioni potessero essere bloccate alle frontiere UE “senza un quadro giuridico stabile e praticabile”, citando nuovi requisiti sui dati che “non possono realisticamente essere implementati” entro la scadenza del 1° luglio. Nello specifico, hanno segnalato colli di bottiglia nella catena di fornitura e possibili carenze di alcune forniture mediche. (Reuters, 22 maggio 2026)

In definitiva, i nuovi prelievi UE sui pacchi erano destinati a frenare le importazioni di fast fashion e ad affrontare l’impennata dell’e-commerce di basso valore. Eppure il più ampio sconvolgimento temuto dagli operatori logistici potrebbe colpire imprese molto lontane dai marketplace online che queste misure intendono regolamentare.

Di fatto, stanno colpendo le piccole imprese, comprese le nostre spedizioni B2B. Noi non siamo un gigante della logistica, e la nostra spedizione non trasporta forniture mediche. Ma quando i nostri capi restano in dogana per settimane, siamo diventati uno di quei colli di bottiglia.

A oggi, i nostri capi sono ancora lì. Più di un mese dopo l’arrivo della prima spedizione alla dogana italiana, il 16 settembre.

Per una piccola impresa indipendente che fa tutto il possibile per sopravvivere mantenendo il proprio impatto ambientale il più basso possibile, selezionando un numero limitato di pezzi scelti con cura, questa non è un inconveniente amministrativo. Può significare la differenza tra guadagnarsi da vivere e non riuscire a mandare avanti l’attività.

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Il tailoring incontra lo sportswear: Ujoh alla Paris Fashion Week SS27

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Oltre lo spettacolo: quando i vestiti parlano da soli


Il tailoring incontra lo sportswear — è questa la tensione centrale nella collezione Primavera-Estate di Ujoh, presentata alla Paris Fashion Week. È anche una tendenza ricorrente in tutta la stagione, da Milano a Parigi. Per noi, però, non si tratta solo di una tendenza. È un classico dello styling.

I codici di design di Ujoh sono inconfondibili: linee pulite, sartorialità precisa. Strutture asimmetriche e tagli audaci. Layering distintivo; forma e funzione in equilibrio perfetto. Il risultato è un’eleganza moderna che non ha mai bisogno di gridare.

La stessa sobrietà definisce la filosofia del brand: niente loghi appariscenti, solo buon design e qualità eccellente. La maggior parte dei capi non cambia completamente ogni stagione. Ujoh costruisce su un vocabolario consolidato, creando continuità, atemporalità — un guardaroba che non ha una data di scadenza. È questa coerenza a mantenere il loro universo culturalmente rilevante.

In un mercato saturo di novità, questa coerenza sembra rara. L’industria pretende nuovi drop, nuove storie, nuovo rumore. Ma Ujoh rifiuta in modo pacato questa logica.

Una modella sulla passerella Ujoh SS27 a Parigi interpreta il concept: il tailoring incontra lo sportswear, con un blazer rosa cipria sopra una camicia bianca e jeans balloon color terracotta.
Questa stagione, il brand esplora cosa succede quando le categorie consolidate iniziano a dissolversi.

Il tailoring incontra lo sportswear, il casualwear e il workwear. I capi cambiano scopo e acquisiscono nuove identità. Un singolo pezzo può funzionare come camicia dal retro e come giacca dal davanti. Il denim si libera dalle costruzioni familiari attraverso asimmetrie e cut-out, mentre pantaloni ampi, dal taglio balloon, e giacche che bilanciano heritage e libertà di movimento sfidano le silhouette convenzionali.

Ujoh SS27: il tailoring incontra lo sportswear in passerella a Paris


La collezione guarda anche all’artigianato tradizionale giapponese. Come descrive il comunicato stampa del brand, i fiori vengono dipinti a mano a Kyoto direttamente su lunghi rotoli di tessuto attraverso un processo meticoloso che richiede quasi una settimana. Tecniche tradizionalmente associate ai tessuti del kimono trovano una nuova espressione in un guardaroba contemporaneo. Il passato non viene scartato; diventa parte di qualcosa di nuovo.

Ed è qui che tutto converge: il formale e il quotidiano, la tradizione e la sperimentazione, la struttura e il movimento. Nulla deve essere confinato a una singola categoria o occasione.

La versatilità non è un compromesso tra stile e praticità; è un valore di design a sé stante. Un capo che si muove tra formale e casual, che cambia carattere attraverso il layering, o che si adatta a diverse occasioni offre più della funzionalità: ci invita a sperimentare, combinare e farlo nostro.

Per noi, è questo che rende Ujoh speciale. Crediamo in capi che siano distintivi ma senza essere difficili da indossare. E in pezzi significativi che possono essere combinati, reinterpretati e adattati a momenti diversi. Vestiti che lasciano spazio a chi li indossa per renderli propri.

Questo è il nuovo lusso: identità e valori.

Perché i vestiti frutto di un buon design non dettano come dovremmo indossarli. Ci danno più modi per esprimere chi siamo.

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Designer o creatori di immagine: chi fa davvero la moda oggi?

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Il settore ha sostituito i designer con il puro spettacolo. Il mercato se n’è accorto.


Designer o creatori di immagine: la moda ha passato un decennio fingendo che fosse una falsa scelta. Il mercato l’ha resa reale: la crescita è rallentata in Europa; le vendite del lusso in Cina restano profondamente depresse.

In questi giorni, guardando le sfilate da New York a Milano a Parigi, non possiamo fare a meno di chiederci: la moda è diventata puro intrattenimento? E se è così, il settore ha ancora bisogno di designer, o solo di creatori di immagine?

Il settore della moda è sempre stato in parte intrattenimento. Ma ora non è quasi altro che spettacolo. Sfilate impressionanti, campagne e momenti virali contano ormai più dei vestiti stessi. L’industria non vuole più designer per le loro capacità di design. Vuole persone capaci di creare un’immagine attorno alla moda.

Designer o creatori di immagine. La distinzione conta.

Il lavoro di un designer è disegnare vestiti: comprendere proporzioni, costruzione, tessuto, silhouette, tecnica e come tutte queste cose si combinano su un corpo. Il lavoro dei creatori di immagine è diverso. È creare desiderio, attenzione e un mondo che la gente voglia guardare — e, idealmente, a cui appartenere.

Il settore della moda ha premiato sempre di più il secondo.

Vuole direttori creativi capaci di generare immagini, fermento e momenti virali. Ai direttori creativi si chiede di costruire mondi. Le celebrità portano con sé il loro pubblico. Gli influencer diventano la campagna. I vestiti sono quasi secondari rispetto all’universo costruito attorno a loro.

L’attenzione è la risorsa più scarsa, e i creatori di immagine sono molto bravi ad attirarla.

Per un po’, ha funzionato.

Ma dove finisce lo spettacolo e dove iniziano a parlare i vestiti?

Perché quando lo show finisce, è questo che ci interessa: i vestiti. Non la loro rappresentazione sui social. Non la celebrità che li indossa. E non la campagna. I capi stessi — le cose che possiamo davvero indossare, e che vogliamo indossare.

E forse è qui che la moda ha perso qualcosa di importante: la capacità di riconoscere il valore nel design.

Un capo ben progettato non produce necessariamente un momento virale. Il suo valore può essere silenzioso. Può vivere nel taglio, nel tessuto, nella costruzione, nelle proporzioni, nel modo in cui si muove sul corpo. Richiede di guardare. A volte richiede conoscenza.

Lo spettacolo non richiede nulla di tutto questo.

Ci dice cosa guardare.

E quando un settore diventa sempre più dipendente dall’attenzione, ciò che si vede facilmente inizia a contare più di ciò che richiede comprensione.

Questa domanda un tempo era filosofica. Ora è economica.

I brand del lusso hanno passato anni ad alzare i prezzi in nome dell’esclusività, con sfilate sempre più imponenti. Eppure la domanda si è raffreddata. Forse i consumatori non hanno smesso di volere il lusso. Forse stanno diventando più selettivi su dove il lusso sembra reale. Sono diventati meno disposti a pagare prezzi da lusso per prodotti di cui non riconoscono più il valore.

Perché il lusso non è scomparso.

La gente continua a spendere per esperienze eccezionali, artigianato, gioielli, ospitalità, viaggi e oggetti che appaiono realmente preziosi.

I clienti non hanno abbandonato il lusso. Hanno abbandonato la versione che ne dà la moda.

E questo dovrebbe preoccupare l’industria della moda. Cosa dice lo spettacolo quando il desiderio dei consumatori cala? Cosa succede quando la macchina dell’attenzione continua a crescere, ma le persone sono meno disposte a comprare ciò che vedono? In definitiva, qual è il senso di queste enormi sfilate, e per chi sono?

Perché un’immagine può creare desiderio. Può creare eccitazione, status e conversazione. Nel breve periodo. Ma un’immagine non può sostituire la cosa stessa. Ed è qui che lo spettacolo della moda si scontra con il mercato: i consumatori vogliono sempre meno di ciò che viene venduto. La qualità è crollata; esclusività e scarsità, un tempo argomenti di vendita del settore, ora appaiono artificiali.

La moda non ha bisogno di meno designer. Ha bisogno di ricordare perché ne aveva bisogno in primo luogo.

I creatori di immagini possono creare attenzione.
I designer creano la ragione per guardare.

La moda ha bisogno dell’immagine. Ma non può sopravvivere solo di immagine.

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Vogue World Milano e lo spettacolo del “Made in Italy”

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Il significato perduto dell’eleganza e dell’artigianalità italiana


Vogue World Milano è ovunque sui social media, ma non per il motivo che ci si potrebbe immaginare. Anziché incarnare classe e sofisticatezza, ha generato una tale quantità di meme grotteschi destinati a durare anni. Alcuni spettatori lo hanno persino descritto come una “fiera di chirurgia plastica”. Persino Miuccia Prada sembrava avere qualcosa da dire senza dire una parola. Quindi sì, spettacolo, ma non esattamente in senso lusinghiero.

Eppure alcune persone hanno commentato: “Era così italiano”. Cosa che ci ha lasciato sbalordite. Cosa c’era di così italiano? Solo Milano e quelli seduti in prima fila. Certamente non ciò che Vogue sosteneva. In realtà, sembrava più vicino all’idea di spettacolo di moda del Met Gala che a una qualsiasi visione distintamente italiana.

Creato da Anna Wintour nel 2022 per scopi filantropici, Vogue World è un evento internazionale. Ma più che una sfilata di moda, è uno spettacolo iper-scenico che riunisce designer, modelle, celebrità, performer e tecnologia. Questa edizione milanese si è svolta nella Galleria Vittorio Emanuele II, mettendo insieme artigianalità italiana, moda, esibizioni e tecnologia.

Andato in scena il 22 settembre, l’evento è stato realizzato in collaborazione con il Comune di Milano, il Teatro alla Scala e la sua Accademia. Più di 500 ospiti erano seduti lungo i quattro bracci della Galleria. La prima fila era storica ed eccezionale: molti dei più grandi nomi del Made in Italy erano presenti — Miuccia Prada, Raf Simons, Donatella Versace, Pierpaolo Piccioli, Domenico Dolce, Stefano Gabbana e molti altri. L’evento ha raccolto 2,65 milioni di euro per la riqualificazione e l’ampliamento della Biblioteca di Quarto Oggiaro.

Secondo il programma ufficiale, Vogue sosteneva di attraversare “La Rivoluzione Artigianale”, “La Rivoluzione Industriale”, “Il Made in Italy”, “L’Era dell’Intelligenza” e “La Rivoluzione dell’Immaginazione”. Vogue ha dichiarato specificamente che l’evento intendeva affrontare il valore dell’artigianalità nell’era dell’IA.

Ma Vogue World Milano è stato davvero questo?

Eleganza, artigianalità, italianità — questi non sembravano essere i valori principali. L’eleganza, in particolare, è sembrata un concetto perduto.

C’è un’interessante contraddizione al cuore della serata. Vogue ha presentato esplicitamente l’evento come una celebrazione del “Made in Italy”, dell’artigianalità e del tocco umano nell’era dell’IA, ma tra gli sponsor c’erano OpenAI e Meta. Le stesse forze che lo spettacolo sosteneva di esaminare ne pagavano il conto.

In definitiva, Vogue World Milano sosteneva di celebrare il “Made in Italy” e l’artigianalità. Eppure lo spettacolo sembrava minare entrambi. Soprattutto, cosa significa celebrare il “Made in Italy” quando le persone e il sistema produttivo che lo rendono possibile sono sempre più sotto pressione?

Per un evento apparentemente celebrativo dell’artigianalità umana e del “tocco umano”, il momento distintivo di Vogue World Milano è stato rappresentato da quattro robot che salutavano la folla. Una confessione quanto mai calzante che la moda preferisce prendere in prestito l’hype della Silicon Valley piuttosto che fidarsi delle proprie mani.

L’ironia è profonda.

Vogue World è stato presentato come un omaggio alla tradizione artigianale italiana, ma il segmento di cui tutti parlano vedeva protagonisti robot umanoidi Unitree che non indossavano nulla. Facevano poco più che salutare e imitare un movimento del lazo.

Il Fatto Quotidiano ha definito la messa in scena “estremamente didattica”. Un modello in legno del Duomo, sarti in camice bianco, poi la Rivoluzione Industriale, poi l’irruzione della tecnologia. Il tutto condito con lusso ostentato e così tanto sfoggio da lasciare dubbi sul vero significato dell’evento: una mera e autoreferenziale celebrazione della moda come status quo.

Sul suo Instagram, Frida Giannini ha evidenziato la disconnessione tra la retorica dell’artigianalità italiana, dell’eleganza e del “Made in Italy”, e la stravaganza dell’evento stesso. Ha scritto:

“Di cattivo gusto e ridicolo… Senza senso. Senza umorismo. Senza eleganza. Solo un circo imbarazzante. Per Milano e l’Italia… Con Open AI e robot??? Per favore, un po’ di coerenza. E dignità. Che tristezza.”

Si divertiva, giurava — ma solo perché poteva vedere tutti i dettagli di quelle facce inquietanti che si stavano divertendo. Il punto resta: l’incoerenza tra la retorica e la realtà non era un dettaglio. Era tutto lo spettacolo.

Mentre l’artigianalità italiana veniva celebrata come slogan di marketing, a pochi chilometri di distanza la filiera del Made in Italy sta vivendo uno dei suoi momenti più drammatici. I dati diffusi dalla CGIL di Milano dipingono un quadro desolante: in soli tre anni, il sistema moda milanese ha perso un quarto delle sue esportazioni (−23,3%), scivolando da oltre 3 miliardi di euro a meno di 2,3 miliardi. Le imprese artigiane chiudono (−19,7% nell’abbigliamento, −17% nella pelletteria). E le ore di cassa integrazione sono schizzate nel secondo trimestre del 2026. (fonte: Il Fatto Quotidiano)

Le mani che effettivamente rendono possibile il Made in Italy non sono state menzionate.

È italiano questo? È questa l’eleganza italiana? O è semplicemente una rappresentazione spettacolare di ciò che la moda è diventata — un circo creato da sé stessa?

Trova la risposta negli occhi di Miuccia Prada.

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Quando “sostenibile” non racconta tutta la storia: ripensare la lana

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La protesta sulla lana alla NY Fashion Week solleva una domanda scomoda: un materiale può essere sostenibile se il benessere animale non fa parte dell’equazione?


Ripensare la lana comincia dall’ammettere che “sostenibile” non racconta tutta la storia.

La lana è naturale, rinnovabile e spesso presentata come un’alternativa responsabile ai materiali sintetici. Ma cosa succede quando guardiamo oltre la fibra, all’animale da cui proviene?

Più esaminiamo da vicino le dichiarazioni di sostenibilità della moda, più queste diventano complicate. Un materiale può avere vantaggi ambientali e sollevare comunque serie questioni etiche. “Meglio per il pianeta” ed “etico per gli animali” non sono necessariamente la stessa cosa.

Questa tensione è emersa con nettezza durante la New York Fashion Week di questo mese. I manifestanti della PETA hanno interrotto la sfilata di COS il 13 settembre per protestare contro l’uso della lana e il maltrattamento delle pecore. La contrapposizione è degenerata quando Steven Kolb, presidente e amministratore delegato del Council of Fashion Designers of America, ha fisicamente trattenuto i manifestanti. In seguito si è dimesso.

Ma al di là dell’interruzione, la protesta ha sollevato una domanda che merita più attenzione di qualche minuto di dramma da fashion week: possiamo definire sostenibile un materiale se il modo in cui viene prodotto solleva interrogativi sul benessere animale?

Cosa intendiamo davvero per lana sostenibile?


La lana è una fibra proteica naturale e rinnovabile, le pecore producono un nuovo vello ogni anno. È biodegradabile in condizioni adeguate, invece di persistere come le microfibre plastiche. La sua durabilità, la regolazione della temperatura e la resistenza agli odori possono anche significare lavaggi meno frequenti e un uso più prolungato. I capi in lana possono essere riparati, rivenduti o riciclati, anche se ciò che accade alla fine del ciclo di vita di un capo dipende dal capo stesso e dal sistema disponibile per recuperarlo.

Eppure nessuna di queste caratteristiche ci dice come sono state trattate le pecore.

COS (di proprietà del Gruppo H&M) dichiara che la sua lana vergine proviene da allevamenti certificati secondo il Responsible Wool Standard (RWS), sviluppato per affrontare il benessere animale, la gestione del territorio e i requisiti sociali. Textile Exchange, che possiede e gestisce lo standard, descrive il benessere animale come un requisito fondamentale.

Ma cosa ci dice davvero una certificazione — e cosa tralascia?


Abbiamo esplorato questo tema nel nostro eBook, Questo è greenwashing. Come per la carta certificata, la certificazione RWS è progettata per verificare pratiche specifiche rispetto a una serie definita di criteri. Ma la certificazione ha dei limiti. Gli standard sul benessere animale non sono la stessa cosa dei diritti degli animali. Si può ragionevolmente ritenere che un allevamento di pecore adeguatamente regolamentato soddisfi uno standard significativo di benessere animale, pur continuando a dissentire su cosa quello standard dovrebbe includere.

La moda ama le categorie. Naturale. Sintetico. Sostenibile. Circolare. Responsabile.

Le etichette rendono i sistemi complicati più facili da comprendere — e più facili da vendere. Ma la sostenibilità non è una categoria di materiale. È una questione di come qualcosa viene prodotto, da chi, in quali condizioni, con quali conseguenze e per quanto tempo rimane in uso.

La lana non diventa sostenibile semplicemente perché è naturale. Né la sostenibilità di una fibra sintetica può essere giudicata unicamente dal fatto che la sua materia prima derivi da fossili. Ciò non sminuisce il ruolo ben consolidato dei combustibili fossili nel determinare il cambiamento climatico. Ma la sostenibilità di un prodotto finito dipende dal suo intero ciclo di vita. Non solo dal fatto che la sua materia prima sia naturale o di origine fossile.

La realtà è più complicata.

Quindi dovremmo smettere di comprare lana?


Non esiste una risposta unica.

Chi è preoccupato principalmente per la dipendenza dai combustibili fossili può vedere la lana diversamente da chi ha come prima preoccupazione il benessere animale. Chi compra un cappotto di lana che prevede di indossare per vent’anni fa una scelta diversa da chi sostituisce maglioni in poliestere ogni inverno.

Ma queste non sono conversazioni separate. Se prendiamo sul serio la moda responsabile, dobbiamo considerarli tutti: come un capo influisce sulle persone, sul pianeta e sugli animali, e per quanto tempo rimane in uso. Dare priorità a uno non annulla automaticamente gli altri.

Il materiale è solo una parte dell’equazione.

Forse la domanda più utile non è “La lana è sostenibile?”

Piuttosto, è: “Cosa intendiamo esattamente quando definiamo questa lana sostenibile?”

Ripensare la lana non significa necessariamente rifiutarla. Significa resistere alla tentazione di fermarsi all’etichetta. Naturale non significa innocuo. Rinnovabile non significa etico. Certificato non significa indiscutibile. E “sostenibile” — forse la parola più abusata della moda — non ci dice niente da sola.

L’approccio più responsabile potrebbe semplicemente essere porsi domande migliori.

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