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Designer o creatori di immagine: chi fa davvero la moda oggi?

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Il settore ha sostituito i designer con il puro spettacolo. Il mercato se n’è accorto.


Designer o creatori di immagine: la moda ha passato un decennio fingendo che fosse una falsa scelta. Il mercato l’ha resa reale: la crescita è rallentata in Europa; le vendite del lusso in Cina restano profondamente depresse.

In questi giorni, guardando le sfilate da New York a Milano a Parigi, non possiamo fare a meno di chiederci: la moda è diventata puro intrattenimento? E se è così, il settore ha ancora bisogno di designer, o solo di creatori di immagine?

Il settore della moda è sempre stato in parte intrattenimento. Ma ora non è quasi altro che spettacolo. Sfilate impressionanti, campagne e momenti virali contano ormai più dei vestiti stessi. L’industria non vuole più designer per le loro capacità di design. Vuole persone capaci di creare un’immagine attorno alla moda.

Designer o creatori di immagine. La distinzione conta.

Il lavoro di un designer è disegnare vestiti: comprendere proporzioni, costruzione, tessuto, silhouette, tecnica e come tutte queste cose si combinano su un corpo. Il lavoro dei creatori di immagine è diverso. È creare desiderio, attenzione e un mondo che la gente voglia guardare — e, idealmente, a cui appartenere.

Il settore della moda ha premiato sempre di più il secondo.

Vuole direttori creativi capaci di generare immagini, fermento e momenti virali. Ai direttori creativi si chiede di costruire mondi. Le celebrità portano con sé il loro pubblico. Gli influencer diventano la campagna. I vestiti sono quasi secondari rispetto all’universo costruito attorno a loro.

L’attenzione è la risorsa più scarsa, e i creatori di immagine sono molto bravi ad attirarla.

Per un po’, ha funzionato.

Ma dove finisce lo spettacolo e dove iniziano a parlare i vestiti?

Perché quando lo show finisce, è questo che ci interessa: i vestiti. Non la loro rappresentazione sui social. Non la celebrità che li indossa. E non la campagna. I capi stessi — le cose che possiamo davvero indossare, e che vogliamo indossare.

E forse è qui che la moda ha perso qualcosa di importante: la capacità di riconoscere il valore nel design.

Un capo ben progettato non produce necessariamente un momento virale. Il suo valore può essere silenzioso. Può vivere nel taglio, nel tessuto, nella costruzione, nelle proporzioni, nel modo in cui si muove sul corpo. Richiede di guardare. A volte richiede conoscenza.

Lo spettacolo non richiede nulla di tutto questo.

Ci dice cosa guardare.

E quando un settore diventa sempre più dipendente dall’attenzione, ciò che si vede facilmente inizia a contare più di ciò che richiede comprensione.

Questa domanda un tempo era filosofica. Ora è economica.

I brand del lusso hanno passato anni ad alzare i prezzi in nome dell’esclusività, con sfilate sempre più imponenti. Eppure la domanda si è raffreddata. Forse i consumatori non hanno smesso di volere il lusso. Forse stanno diventando più selettivi su dove il lusso sembra reale. Sono diventati meno disposti a pagare prezzi da lusso per prodotti di cui non riconoscono più il valore.

Perché il lusso non è scomparso.

La gente continua a spendere per esperienze eccezionali, artigianato, gioielli, ospitalità, viaggi e oggetti che appaiono realmente preziosi.

I clienti non hanno abbandonato il lusso. Hanno abbandonato la versione che ne dà la moda.

E questo dovrebbe preoccupare l’industria della moda. Cosa dice lo spettacolo quando il desiderio dei consumatori cala? Cosa succede quando la macchina dell’attenzione continua a crescere, ma le persone sono meno disposte a comprare ciò che vedono? In definitiva, qual è il senso di queste enormi sfilate, e per chi sono?

Perché un’immagine può creare desiderio. Può creare eccitazione, status e conversazione. Nel breve periodo. Ma un’immagine non può sostituire la cosa stessa. Ed è qui che lo spettacolo della moda si scontra con il mercato: i consumatori vogliono sempre meno di ciò che viene venduto. La qualità è crollata; esclusività e scarsità, un tempo argomenti di vendita del settore, ora appaiono artificiali.

La moda non ha bisogno di meno designer. Ha bisogno di ricordare perché ne aveva bisogno in primo luogo.

I creatori di immagini possono creare attenzione.
I designer creano la ragione per guardare.

La moda ha bisogno dell’immagine. Ma non può sopravvivere solo di immagine.

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Vogue World Milano e lo spettacolo del “Made in Italy”

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Il significato perduto dell’eleganza e dell’artigianalità italiana


Vogue World Milano è ovunque sui social media, ma non per il motivo che ci si potrebbe immaginare. Anziché incarnare classe e sofisticatezza, ha generato una tale quantità di meme grotteschi destinati a durare anni. Alcuni spettatori lo hanno persino descritto come una “fiera di chirurgia plastica”. Persino Miuccia Prada sembrava avere qualcosa da dire senza dire una parola. Quindi sì, spettacolo, ma non esattamente in senso lusinghiero.

Eppure alcune persone hanno commentato: “Era così italiano”. Cosa che ci ha lasciato sbalordite. Cosa c’era di così italiano? Solo Milano e quelli seduti in prima fila. Certamente non ciò che Vogue sosteneva. In realtà, sembrava più vicino all’idea di spettacolo di moda del Met Gala che a una qualsiasi visione distintamente italiana.

Creato da Anna Wintour nel 2022 per scopi filantropici, Vogue World è un evento internazionale. Ma più che una sfilata di moda, è uno spettacolo iper-scenico che riunisce designer, modelle, celebrità, performer e tecnologia. Questa edizione milanese si è svolta nella Galleria Vittorio Emanuele II, mettendo insieme artigianalità italiana, moda, esibizioni e tecnologia.

Andato in scena il 22 settembre, l’evento è stato realizzato in collaborazione con il Comune di Milano, il Teatro alla Scala e la sua Accademia. Più di 500 ospiti erano seduti lungo i quattro bracci della Galleria. La prima fila era storica ed eccezionale: molti dei più grandi nomi del Made in Italy erano presenti — Miuccia Prada, Raf Simons, Donatella Versace, Pierpaolo Piccioli, Domenico Dolce, Stefano Gabbana e molti altri. L’evento ha raccolto 2,65 milioni di euro per la riqualificazione e l’ampliamento della Biblioteca di Quarto Oggiaro.

Secondo il programma ufficiale, Vogue sosteneva di attraversare “La Rivoluzione Artigianale”, “La Rivoluzione Industriale”, “Il Made in Italy”, “L’Era dell’Intelligenza” e “La Rivoluzione dell’Immaginazione”. Vogue ha dichiarato specificamente che l’evento intendeva affrontare il valore dell’artigianalità nell’era dell’IA.

Ma Vogue World Milano è stato davvero questo?

Eleganza, artigianalità, italianità — questi non sembravano essere i valori principali. L’eleganza, in particolare, è sembrata un concetto perduto.

C’è un’interessante contraddizione al cuore della serata. Vogue ha presentato esplicitamente l’evento come una celebrazione del “Made in Italy”, dell’artigianalità e del tocco umano nell’era dell’IA, ma tra gli sponsor c’erano OpenAI e Meta. Le stesse forze che lo spettacolo sosteneva di esaminare ne pagavano il conto.

In definitiva, Vogue World Milano sosteneva di celebrare il “Made in Italy” e l’artigianalità. Eppure lo spettacolo sembrava minare entrambi. Soprattutto, cosa significa celebrare il “Made in Italy” quando le persone e il sistema produttivo che lo rendono possibile sono sempre più sotto pressione?

Per un evento apparentemente celebrativo dell’artigianalità umana e del “tocco umano”, il momento distintivo di Vogue World Milano è stato rappresentato da quattro robot che salutavano la folla. Una confessione quanto mai calzante che la moda preferisce prendere in prestito l’hype della Silicon Valley piuttosto che fidarsi delle proprie mani.

L’ironia è profonda.

Vogue World è stato presentato come un omaggio alla tradizione artigianale italiana, ma il segmento di cui tutti parlano vedeva protagonisti robot umanoidi Unitree che non indossavano nulla. Facevano poco più che salutare e imitare un movimento del lazo.

Il Fatto Quotidiano ha definito la messa in scena “estremamente didattica”. Un modello in legno del Duomo, sarti in camice bianco, poi la Rivoluzione Industriale, poi l’irruzione della tecnologia. Il tutto condito con lusso ostentato e così tanto sfoggio da lasciare dubbi sul vero significato dell’evento: una mera e autoreferenziale celebrazione della moda come status quo.

Sul suo Instagram, Frida Giannini ha evidenziato la disconnessione tra la retorica dell’artigianalità italiana, dell’eleganza e del “Made in Italy”, e la stravaganza dell’evento stesso. Ha scritto:

“Di cattivo gusto e ridicolo… Senza senso. Senza umorismo. Senza eleganza. Solo un circo imbarazzante. Per Milano e l’Italia… Con Open AI e robot??? Per favore, un po’ di coerenza. E dignità. Che tristezza.”

Si divertiva, giurava — ma solo perché poteva vedere tutti i dettagli di quelle facce inquietanti che si stavano divertendo. Il punto resta: l’incoerenza tra la retorica e la realtà non era un dettaglio. Era tutto lo spettacolo.

Mentre l’artigianalità italiana veniva celebrata come slogan di marketing, a pochi chilometri di distanza la filiera del Made in Italy sta vivendo uno dei suoi momenti più drammatici. I dati diffusi dalla CGIL di Milano dipingono un quadro desolante: in soli tre anni, il sistema moda milanese ha perso un quarto delle sue esportazioni (−23,3%), scivolando da oltre 3 miliardi di euro a meno di 2,3 miliardi. Le imprese artigiane chiudono (−19,7% nell’abbigliamento, −17% nella pelletteria). E le ore di cassa integrazione sono schizzate nel secondo trimestre del 2026. (fonte: Il Fatto Quotidiano)

Le mani che effettivamente rendono possibile il Made in Italy non sono state menzionate.

È italiano questo? È questa l’eleganza italiana? O è semplicemente una rappresentazione spettacolare di ciò che la moda è diventata — un circo creato da sé stessa?

Trova la risposta negli occhi di Miuccia Prada.

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La sostenibilità non è passata di moda. Non è mai stata davvero di moda.

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Cosa dice la ritirata della moda dalla sostenibilità, mentre la crisi climatica diventa sempre più urgente, sul modello di business del settore


Una prospettiva personale di Rosita Cigliola

Ieri era sostenibile. Oggi è AI-powered. Domani sarà qualcos’altro.
Il Financial Times si è appena chiesto che fine abbia fatto la sostenibilità nella moda. Dopo anni di impegni ambiziosi, i brand si stanno silenziosamente ritirando dagli obiettivi, ridimensionando le iniziative e mettendo la redditività al centro della conversazione.

La spiegazione ovvia è che la sostenibilità abbia fallito.

Ma io penso che sia successo qualcos’altro. La sostenibilità non è passata di moda. Non è mai stata davvero di moda. Almeno, non nel modo in cui la parola suggeriva.

Durante la pandemia, quando le fabbriche chiudevano, i negozi si svuotavano e la moda aveva l’opportunità di guardarsi allo specchio, la sostenibilità è diventata una delle parole preferite del settore. Brand ed esperti annunciavano impegni (per esempio, Rewiring Fashion). Le collezioni diventavano consapevoli — persino nel fast fashion. Le aziende diventavano responsabili. I materiali e gli imballaggi diventavano ecologici. La circolarità era ovunque.

Il linguaggio era rassicurante. 

Il problema era che il modello di business restava terribilmente familiare.
La moda aveva comunque bisogno di vendere più vestiti.
E più vestiti.
Ancora più vestiti.

Questa era la scomoda contraddizione al cuore della conversazione sulla sostenibilità nella moda: un settore costruito sulla crescita, sulla sovrapproduzione e sul consumo eccessivo cercava di presentarsi come sempre più sostenibile senza nemmeno mettere in discussione il modello stesso.

In Questo è greenwashing, abbiamo sostenuto che questo non era un caso. La sostenibilità era diventata un linguaggio di marketing – un insieme di parole attraenti ma spesso vaghe che permettevano ai brand di comunicare responsabilità ambientale. Una responsabilità che non richiedeva necessariamente di dimostrare un cambiamento sistemico. Il settore non aveva bisogno di mentire apertamente. Bastava scegliere le parole con cura.

Consapevole.
Responsabile.
Eco.
Green.

Parole che suonavano come progresso. Tuttavia queste parole richiedevano molte meno prove dell’impressione che creavano. Quell’impressione era sufficiente a generare fiducia.

Ora la persistente volatilità economica continua a influenzare i mercati, e sta accadendo qualcosa di rivelatore. Quando la sostenibilità era di moda, i brand potevano permettersi di parlarne. Ma quando è diventata troppo costosa, troppo complicata o commercialmente scomoda e al contempo altri costi aumentavano, quegli impegni sono diventati meno urgenti.
Questo ci dice qualcosa di importante. Soprattutto ora, che il clima estremo non è più un avvertimento astratto per un futuro lontano ma una realtà che si dispiega ovuqnue intorno a noi.

La crisi climatica non è diventata meno urgente. La sostenibilità è diventata meno conveniente.

Il problema non era la mancanza di buone intenzioni. Quelle abbondavano. Ma gli incentivi erano sbagliati. Di conseguenza la sostenibilità è stata trasformata in una strategia di marketing per raggiungere quegli incentivi.

Il problema di fondo è che le regole e le ricompense della moda non sono cambiate. Produrre e vendere di più genera più ricavi. Le aziende vengono premiate per la crescita delle vendite e il profitto. Gli investitori si aspettano rendimenti finanziari. La sostenibilità può costare di più e ridurre i margini. Ma gli obiettivi ambientali volontari spesso non hanno conseguenze se vengono mancati.
E forse è per questo che sono meno sorpresa della ritirata di quanto sembrino esserlo alcuni.

Ciò che mi sorprende di più, anche se non dovrebbe, è quanto rapidamente il settore abbia trovato un’altra storia. L’IA.

L’IA è ormai ovunque nella moda.

IA per la previsione della domanda.
IA per lo sviluppo di prodotto.
Shopping personalizzato tramite IA.
Modelli generati dall’IA.
Campagne generate dall’IA.
Gestione IA della supply chain.
Reporting di sostenibilità tramite l’IA.
IA per ridurre gli sprechi.
IA per rendere la moda più efficiente.

Efficiente, non sostenibile.

La sostenibilità sembra sparire sotto l’ennesimo cambio di etichetta di marketing.

Alcune di queste applicazioni possono essere utili. Infatti, l’IA può aiutare i brand ad analizzare enormi quantità di informazioni, identificare inefficienze e migliorare le previsioni. La tecnologia in sé non è il punto, sebbene il suo enorme consumo di acqua ed energia sollevi serie questioni di sostenibilità. Il problema è cosa succede quando la tecnologia diventa un aggettivo di marketing. Perché abbiamo già visto questo film. Sostituisci sostenibilità con potenziato dall’IA e poni le stesse domande.
Cosa significa esattamente?
Dove viene usata?
Cosa è realmente cambiato?
Quale problema risolve?
Quali prove abbiamo?
E – soprattutto – cambia il modello di business, o rende semplicemente più veloce il modello di business esistente?

Quest’ultima domanda conta enormemente nella moda. Se l’IA permette a un’azienda di prevedere meglio la domanda e quindi produrre meno capi indesiderati, meraviglioso. Se permette a un’azienda di generare migliaia di nuovi design più rapidamente, creare più contenuti di marketing e accelerare la produzione di più cose di cui nessuno ha bisogno, allora l’efficienza non ha necessariamente reso la moda più sostenibile. Potrebbe semplicemente aver reso la sovrapproduzione più efficiente.

È qui che la conversazione sulla sostenibilità nella moda è andata storta.

Ci siamo lasciati affascinare dalla soluzione prima di chiederci se stavamo risolvendo il problema giusto. Abbiamo celebrato il poliestere riciclato senza chiederci quanti capi in poliestere ci servissero davvero. Abbiamo celebrato le piattaforme di rivendita senza capire l’impatto sull’ambiente – o che stavano spingendo ulteriormente il consumo eccessivo. Ancora, abbiamo celebrato la circolarità senza chiederci quanto abbigliamento stesse entrando nel sistema. In definitva, abbiamo celebrato l’innovazione senza chiederci se l’innovazione stesse riducendo il consumo o semplicemente rendendolo più facile.

Ora l’IA arriva con la stessa promessa seducente: la tecnologia sistemerà il disastro. Forse ne sistemerà una parte — i problemi di business, non quelli ambientali. Ma la tecnologia non può decidere cosa dovrebbe produrre la moda. Il che, a un livello più profondo, significa anche quale mondo vogliamo.
Le persone lo fanno.
Le aziende lo fanno.
I consumatori lo fanno.
E in ultima analisi, lo fa il modello di business.

C’è anche una deliziosa ironia qui.

Abbiamo passato anni a dire ai consumatori di cercare l’etichetta green. Ora potremmo dire loro di cercare l’etichetta IA. E se la storia è una guida (anche questo sembra piuttosto dubbio ultimamente), dovremmo stare attenti. Perché una volta che una parola diventa abbastanza preziosa da vendere qualcosa, il marketing imparerà a usarla.

Tuttavia questo non significa che la sostenibilità fosse priva di significato. Né significa che ogni brand che ha preso impegni ambientali stesse agendo cinicamente. Ci sono designer, produttori e brand che fanno un lavoro serio. E ci sono consumatori che desiderano genuinamente che la moda abbia un impatto minore. Ma un cambiamento significativo non sarebbe mai potuto venire solo dal vocabolario.

Un’industria della moda più sostenibile non può essere creata cambiando gli aggettivi attaccati agli stessi prodotti, agli stessi volumi e agli stessi incentivi. Questa è la parte scomoda. E forse la conclusione più utile che possiamo trarre dalla scomparsa della sostenibilità non è che la moda abbia abbandonato l’ambiente. È che dovremmo finalmente smettere di confondere il parlare di cambiamento con il cambiare il sistema.

Perché se la sostenibilità scompare quando il cambiamento climatico diventa brutalmente reale, non era un principio di business.

Era una tendenza.

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Hype: può davvero sostenere i marchi di moda?

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Come i brand indipendenti faticano quando l’hype non basta a sostenere un’azienda in un mercato debole


Quando l’hype non basta a pagare le bollette, per i marchi di moda la festa è finita.

Per decenni, l’industria della moda è stata ossessionata da una sola valuta: il rumore. Abbiamo visto brand letteralmente decollare grazie a un logo virale, un’avvistamento di una celebrità o un drop sold-out che mandav i siti web in crash. Ma di recente, la musica si è fermata per alcuni dei “ragazzi cool” più amati del settore.

La notizia del fallimento di Sunnei e dell’ingresso di Marine Serre in amministrazione controllata, con richiesta di protezione del tribunale, ha scosso la scena della moda indipendente. Non si trattava di brand ignoti in lotta per raggiungere una certa rilevanza. Erano etichette influenti che, all’apparenza, sembravano fare tutto bene.

Le loro situazioni sono diverse, ma entrambe illustrano come il successo creativo e la resilienza commerciale non siano necessariamente la stessa cosa. Un brand può rimanere culturalmente rilevante e affrontare comunque una crisi aziendale.

Sia Sunnei che Marine Serre sono stati i beniamini del circuito delle settimane della moda. Hanno costruito la loro reputazione sui pilastri del successo moderno: la scarsità (o la sua illusione), collaborazioni di tendenza e un’impressionante lista di celebrità a sostegno del brand. Avevano capito l’algoritmo. Eppure, aver capito l’algoritmo non ha impedito loro di sbattere contro un muro.

Questo ci ha portato a porci una domanda fondamentale: cos’è davvero l’hype? E, ancora più importante, l’hype da solo può sostenere un’azienda di moda?


Immagine con la frase "Visibility isn't viability" che sintetizza il concetto dell'articolo: l'hype moda non è sufficiente a sostenere un'azienda

La curva dell’hype


Per comprendere la crisi, dobbiamo capire i meccanismi dell’hype. L’hype è un razzo, non un fondamento. Spinge un brand dall’oscurità alla ribalta a una velocità che le case di lusso tradizionali possono solo sognare.

Ma ecco la dura realtà che molti brand indipendenti affrontano prima o poi.

Man mano che l’attenzione cresce, i brand spesso interpretano la crescente visibilità come una domanda permanente. Assumono personale, espandono la produzione, aumentano gli investimenti, si espandono in nuovi mercati o lanciano nuovi progetti, aspettandosi che la crescita continui.

Ciò che molti non prevedono è che l’hype segue una curva prevedibile. Una volta che un brand raggiunge il suo picco, una calo fisiologico è quasi inevitabile. Ma se un’azienda è stata costruita sull’assunto che la domanda continuerà all’infinito, anche un declino normale può trasformarsi rapidamente in un problema serio. L’errore è credere che l’attenzione si traduca automaticamente in una crescita aziendale a lungo termine.

Questa osservazione non è puramente teorica. Deriva dalla nostra esperienza ventennale con brand emergenti, combinata con un’analisi continua del sistema moda.

L’hype può creare una visibilità straordinaria, ma la visibilità da sola non può sostenere un’azienda nel tempo. Il paradosso è che quando tutti parlano di un brand, l’esclusività inizia a scomparire. Gli early adopters passano al prossimo nome underground, mentre i consumatori che avevano acquistato il brand per il suo status iniziano a guardare altrove. Al picco segue un hangover, e quei postumi possono essere brutali.

Soprattutto, la visibilità non si traduce automaticamente in vendite. L’attenzione dei media, l’endorsement delle celebrità e i momenti virali possono generare notorietà, ma non creano necessariamente clienti fedeli o ricavi sostenibili. I like non pagano i fornitori, e i titoli dei giornali non garantiscono clienti che tornano.

La rete di sicurezza dei conglomerati contro il filo teso del brand indipendente


L’aspetto più pericoloso di questo ciclo è la mancanza di una rete di sicurezza.

A differenza dei brand posseduti dai grandi conglomerati del lusso come LVMH o Kering, i marchi indipendenti camminano su un filo senza rete. Quando un brand di proprietà di un conglomerato subisce un rallentamento, la casa madre può assorbire le perdite, reinvestire nel marketing e aspettare che la domanda dei consumatori si riprenda.

I brand indipendenti non hanno questo lusso. Operano con margini più ridotti e meno risorse finanziarie, senza le economie di scala o il potere d’acquisto di cui godono i grandi gruppi. Molti dipendono anche da investitori esterni che si aspettano rendimenti in tempi relativamente brevi.

Sono anche particolarmente vulnerabili alle pressioni sul flusso di cassa. I partner all’ingrosso possono ridurre o ritardare gli ordini, i pagamenti arrivano spesso mesi dopo che i costi di produzione sono stati sostenuti, e persino un calo temporaneo delle vendite può trasformarsi rapidamente in una crisi di liquidità.

In un mercato volatile — dove tensioni geopolitiche, incertezza economica o cambiamenti nel sentiment dei consumatori possono influenzare la domanda da un giorno all’altro — quella combinazione può diventare una trappola pericolosa per un’azienda costruita attorno alla popolarità.

Il pericolo dell’eccessiva esposizione


C’è una crudele ironia nella moda: la strategia stessa che porta un brand al successo può alla fine indebolirne la posizione.

Quando ogni celebrità indossa la tua stampa a luna crescente (Marine Serre) o il tuo tailoring decostruito e giocoso (Sunnei), la magia inizia a svanire. I consumatori diventano desensibilizzati. L’hype è fragile perché dipende da una costante novità e dall’energia della folla.

La stabilità, invece, richiede anni per essere costruita. Richiede qualità costante, relazioni autentiche con i clienti, disciplina finanziaria e un modello di business che non dipenda dal prossimo momento virale.

I brand non possono costruire fiducia inseguendo le tendenze dei social media.

Riflessioni finali


Quindi, l’hype è sufficiente a sostenere i marchi di moda?

I casi di Sunnei e Marine Serre suggeriscono una risposta chiara: no.

L’hype è un potente accelerante, ma è un carburante scadente. Può spingere un brand in cima molto più velocemente di quanto chiunque avrebbe immaginato. Ma se l’azienda alla base non è stata costruita per resistere al rallentamento inevitabile, la discesa può essere altrettanto rapida.

Per i brand indipendenti che osservano tutto ciò, la lezione è chiara: non confondere la viralità con la sostenibilità. Costruisci un’azienda che possa sopravvivere quando l’attenzione si sposterà altrove.

Perché la moda sempre più spesso confonde la visibilità con il valore. Gli algoritmi premiano la novità costante, ma le aziende sopravvivono grazie a clienti che tornano, margini sani e resilienza finanziaria.

L’hype crea attenzione. La fiducia crea stabilità.

L’hype va e viene. La stabilità richiede anni per essere costruita.

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La moda non è più un lavoro per stilisti

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La nomina di Jaden Smith da Louboutin segnala una nuova priorità: il potere delle celebrità batte la preparazione tecnica


Appare sempre più chiaro che la moda non è più un lavoro per stilisti. Le nuove modalità di assunzione dell’industria ne sono la prova più lampante. La nomina di Jaden Smith — attore, rapper e nepo baby — a capo della divisione uomo di Louboutin non è un’anomalia; è un modello ricorrente. Segue lo stesso copione che ha portato Pharrell Williams da Louis Vuitton. Queste mosse non hanno nulla a che vedere con la competenza nel design; sono una risposta calcolata a una crisi più profonda. Ma abbiamo davvero bisogno di stilisti-celebrità?

Inseguendo l’hype al posto dell’eredità, l’industria affronta una crisi esistenziale


L’industria della moda di lusso è cambiata radicalmente. Un tempo dominio di stilisti visionari e maison a conduzione familiare, è stata rimodellata dalle forze del capitalismo moderno: marketing, algoritmi, l’infulenza del ritmo incessante del fast fashion e l’insaziabile domanda di crescita. In questo nuovo paradigma, il ruolo dello stilista si è ridotto, il suo mestiere relegato a un piano secondario rispetto a un nuovo obiettivo: il profitto. Il risultato è un’implosione: perdita di anima, significato e del DNA distintivo che un tempo differenziava un marchio dall’altro. Così il marketing ha ucciso la moda, eppure vanno avanti imperterriti.

Il capitalismo moderno ha eroso la percezione stessa del lusso. Quando i brand sono cresciuti fino a trasformarsi in monumentali “cattedrali”, con vasti network retail ed ego giganteschi da abbinare, hanno sacrificato il loro valore intrinseco per un’esclusività vuota. E una falsa scarsità. Questa crisi d’identità, unita all’instabilità economica globale, ha portato a un diffuso calo del lusso. Di conseguenza, i vestiti non si vendono più da soli.

Allora, qual è la soluzione per un profitto facile? Il potere delle star. Le celebrità sono la risposta pompata all’eccesso a un problema creato dall’industria stessa. Generano buzz immediato, attirano legioni di fan e creano momenti virali — una boccata d’ossigeno a breve termine per brand che faticano a ricordare la propria identità. O che semplicemente cercano di coprire i costi.

Stilisti: il paradosso della formazione nella moda


Tuttavia, questo cambiamento rende l’esistenza di prestigiose e carissime scuole di moda un paradosso profondo. Per esempio, una laurea in Fashion Design all’Istituto Marangoni di Milano costa circa da €21.550 a €25.900 l’anno per l’anno accademico 2026/2027, inclusa una quota annuale d’iscrizione di €4.000 e una tassa internazionale di €25.900 per studenti non UE. Per gli studenti europei, la retta annuale è intorno a €21.550.

Questo cambiamento crea un paradosso devastante: perché uno studente dovrebbe investire tali cifre per padroneggiare un mestiere che l’industria non valorizza più? Perché specializzarsi in un campo dove i posti migliori non vanno ai più competenti, ma ai più famosi?

L’artigianalità dietro l’hype: perché il design delle scarpe non è per dilettanti


Senza contare che, da un punto di vista tecnico, il design delle scarpe è molto più complicato di quello dell’abbigliamento. Le scarpe devono combinare estetica, ergonomia e durata. Richiedono conoscenza di forme, pelli, suole, cuciture e metodi di costruzione — cucitura incollata, Blake, Goodyear e altri ancora. Comfort, distribuzione del peso e movimento sono aspetti fondamentali, per cui il design si intreccia con ingegneria e biomeccanica. Inoltre, la produzione è più lenta e costosa da modificare.

Il design dell’abbigliamento è più ampio e guidato dalle tendenze, con complessità legate alla varietà e alla vestibilità. Il design delle scarpe, al contrario, è più circoscritto ma tecnicamente più intricato. Ogni millimetro conta per comfort e indossabilità. Le scarpe richiedono precisione, non popolarità. Ma la conoscenza non è un problema, a meno che tu non sia nessuno.

Considerazioni finali


In conclusione, la scelta è strategica. I brand privilegiano espansione e crescita rapida rispetto a eredità e artigianato. Non hanno bisogno di uno stilista; hanno bisogno di un titolo sui giornali. Questo spiega perché Louboutin ha scelto Jaden Smith. Per la sua vasta influenza, non certo per la sua conoscenza di forme e pellami.

È ormai chiaro che la moda non è più un lavoro per stilisti. La domanda urgente non è se questo sia vero, ma cosa significhi per il futuro della creatività stessa questa corsa senza anima all’inseguimento delle celebrità.


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